1997年の中国返還を目前にしながら、経済面でも文化面でも、エネルギッシュな活動を続ける国際都市、香港。その香港で活躍する8名、4世代にまたがるグラフィックデザイナーたちの約200点にわたる作品を展示。多種多様な作品群は東洋と西洋がミックスし、香港の爆発するエネルギーを垣間見るような、幅と奥行か感じさせた。また、工業デザインと文化の創出が見どころであった。

While facing the return to China in 1997, Hong Kong continues to be energetic both economically and culturally. The works of 8 graphic designers working in Hong Kong  who cover four generations were exhibited. The diverse works mix the East with the West with a breadth and depth that let us glimpse Hong Kong's explosive energy.

ブランドコンサルタント、デザイナー、アーティスト

Brand Consultant, Designer, Artist

香港生まれ。国際的広告代理店に約10年勤務した後、独学でデザインを学び、1981年にアラン・チャン・デザイン事務所を設立。1989年香港アーティスト・ギルドより「デザイナー・オブ・イヤー」に指名される。

Born in Hong Kong. After working for about 10 years in an international advertising firm, he studied design by himself and established the Alan Chan Design Office in 1981. He was designated "Artist of the Year" in 1989 by the Hong Kong Artist Guild.

中国生まれ。香港でデザインを学び、「90年代の代表的人物」に選ばれた最初のデザイナー。1989年カン・タイ・クン・デザイン・アンド・アソシエイツを設立。

中国生まれ。香港に移住し、香港中華大学の応用デザインコースでデザインを学ぶ。現在、カン・タイ・クン・デザイン・アンド・アソシエイツのクリエイティブディレクター。

中国生まれ。香港中華大学の応用デザインコースでデザインを学ぶ。1976年、自らのデザイン会社を設立。香港及び国際的なコンクールで数々の賞を受賞。香港を代表する卓越したデザイナーであると同時に、著名な中国水墨画家でもある。

Born in China. He Studied design in Hong Kong and was the first designer to be chosen as one of "10 Outstanding Youths in 1979" and the "Representative of the 90's." He established Kan Tai-Keung Design and Associates.

Born in China. After emigration to Hong Kong, he studied design in the Applied Design Faculty of the Hong Kong Chinese University. He is currently the creative director of Kan Tai-keung Design and Associates.

Born in China. He studied in the Applied Design course at the Chinese University of Hong Kong. In 1976, he founded his own design company. He has won many local and international awards. He is one of Hong Kong's leading prominent designers and a well known painter in Chinese ink.

カリフォルニア・カレッジ・オブ・アート・アンド・クラフトを卒業後、アメリカで活躍。1983年香港銀行のデザイン・サービス・マネージャーに就任。現在、香港デザイナー協議会議長。

He worked in America after graduating from the California College of Art and Crafts and came home in 1980. He became design service manager for the Hong Kong Bank in 1993 and now is chairman of the Hong Kong Designers Association.

香港生まれ。カリフォルニア・インスティテュート・オブ・アーツ卒業後、1989年グラフィック・コミュニケーション社へ入社。1983年ジョン・アウ・デザイン・アソシエイツを設立。

Born in Hong Kong. After graduating from the California Institute of Arts, he jed Graphic Communication Inc. in 1980. He established John Au Design Associates in 1983.

香港生まれ。1977年タン・キン・ポ・スクール、1983年工芸デザイン卒。ヒルトンホテルのデザイン部、デビッド・チョウ・デザイン・カンパニー、マンハッタン・グループを経て、1990年トミー・リー・アンド・アソエイツと設立。

Born in1983. After the design department of the Hilton Hotel, and Manhattan Group, he established Tommy Li and Associates in 1990.

アートディレクター

Art Director

香港生まれ。1981年香港工芸学校卒業後、SSデザイン・アンド・プロダクションに入社。1989年フリーマン・ラウ・デザイン・アンド・アソシエイツを設立。同時にカン・タイ・クン・デザイン・アンド・アソシエイツのチーフADも兼任。

香港生まれ。香港ポリテクニック（総合技術専門学校）卒業。カン・タイ・クン・デザイン・アンド・アソシエイツのアートディレクター。1994~95年、香港デザイナーズ協会会長。

香港生まれ。香港理工大学に学ぶ。アートディレクターとして活躍後、1998年、カン・タイキュンに招かれて彼の会社に加わる。1996年、社名がカン・アンド・ラウ・デザイン・コンサルタンツとなり、現在同社のパートナー。1994~95年には香港デザイナーズ協会の会長も務め、教育と美術の振興にも力を注いでいる。

Born in Hong Kong. After graduating from the Hong Kong Polytechnic in 1981, he joined SS Design and Production. He established Freeman Lau Design and Associates in 1989 and at the same time became chief art director for Kan Tai-Keung Design and Associates.

Born in Hong Kong. He graduated from the Hong Kong Polytechnic (a specialized school for comprehensive technology), He is the art director of the Kan Tai-keung Design and Associates. From 1994 to 1995, he has been the chairman of the Hong Kong Designers Association.

Born in Hong Kong. He studied at Hong Kong Polytechnic, and joined SS Design & Production in 1982, becoming Art Director in 1985. In 1988 he was invited by Kan Tai-Keung to join his company, the name of which was changed to Kan & Lau Design Consultants in 1996 to include Freeman's name. He is presently a partner in the company. He served as chairman of the Hong Kong Design Association from 1994 to 95. One of his main concerns in education and art development in Hong Kong.

グラフィック・デザイナー

Graphic Designer

ウィーン生まれ。エール大学とソルボンヌ大学に学び、1964年グラフィック・コミュニケーションを設立。現在アライアンス・グラフィック・インターナショナル社長。

Born in Vienna. After studying at Hunter College of Yale University and the Sorbonne University, he established Graphic Communication in 1964. He is now president of Alliance Graphic International.

ヨーク大学、パーソンズ・スクール・オブ・デザイン、ビジュアル・アート・スクールで学ぶ。1982年帰国。エンファシス・インターナショナル、ヒル・ノールトン・アジアを経て、1990年リリアン・タン・デザインを設立。

Studied a York University, the Parsons School of Design and the Visual Art School and came home in 1982. After working for Emphasis International and Hill Norton Asia, she established Lilian Tang Design in 1990.

dddギャラリーには国外の気鋭のデザイナーを紹介してきた歴史がありますが、それを最初に提案したのは松井桂三氏。スペインで行われた「JAPAN PRINT」展でスペインを訪れた氏が、３度もスペインの地でDNPの北島義俊社長（当時）に出会ったことで、帰国後に「大阪で年に２〜３回、展覧会企画をお願いしたい」との依頼を受け、「世界の若手〜中堅デザイナーを紹介することができるなら」と提案したことからdddギャラリーのひとつの性格が形作られることになりました。 東京のgggでは有名な国外のデザイナーの展覧会は開かれていましたが、日本人がまだ知らないこれからのデザイナーを紹介する場は当時はなく、dddギャラリーは独自の存在意義をそこに見出すことになりました。松井氏が足で稼いだネットワークが海外との接点となり、そこからアジア・アフリカを含む幅広い海外デザイナーの紹介につながりました（海外では一時はgggよりもdddの方が認知度が高かったという噂も）。 松井氏が企画した展覧会のポスターは自身が手がけていますが、インターネットのない90年代、出展デザイナーとやりとりをするのに時間がかかるため、そして、企画者がデザイナーの松井氏であることが信頼につながっており、情報の少ないデザイナーなどは松井氏のイマジネーションがポスターに強く発揮されています。例えば「ホワイノット・アソシエイツ展（第12回）」のポスターは「why」を手がかりに「？」を針金で作りガーゼを巻き付けガソリンを染み込ませ、燃やして撮影していたり、「ラッセル・ウォーレン-フィッシャー展（第15回）」では「Fish(er)」をモチーフに市場で買ってきた生きたヒラメを撮影したりしてつくられています。インターネット以前のグラフィックデザインを見るうえで貴重な逸話です。 松井氏はdddギャラリーの移転に際し、「これからのグラフィックデザインがどうなるかを考える展覧会が増えることを期待している。未来のことを考え、人々の五感を動かすことがグラフィックデザイナーの仕事」とのメッセージを寄せてくれました。

ddd gallery has a history of showcasing emerging designers from overseas; the initiator of these exhibitions was Keizo Matsui. When visiting Spain for the Japan Print Exhibition held there, he met the president of DNP (at that time), Yoshitoshi Kitajima, three times. After returning to Japan, Kitajima asked Matsui to come up with two or three exhibitions a year in Osaka, and suggested showcasing the world’s young and mid-career designers, which ended up forming part of ddd Gallery’s backbone. Tokyo’s ggg had held exhibitions of famous designers, but in those days no place was showcasing designers yet unknown to the Japanese; in that way, ddd gallery had discovered its own unique reason to exist. The network that Matsui had gained from his travels led to connections with wide reaching introductions of international designers, including those from Asia and Africa (there was also a rumor that, at one stage, ddd was more well-known than ggg internationally). Though Matsui did design the posters for exhibitions he curated, correspondence with exhibiting designers back in the 90s took time without the internet; there was also a lack of information available on these designers. Being a designer, exhibition planner Matsui was hence trusted with the posters, and as a result his imagination is on full display in the designs. For example, for the poster for the 12th Why Not Associates Exhibition, he created a question mark (?) representing ‘why’ with wire, wrapped it in gauze, doused it in gasoline, set it alight, and took photos, and for the 15th Russell Warren-Fisher Exhibition he bought a live flounder from the market as a motif for Fish(er) and photographed it. They now serve as interesting graphic design anecdotes from a pre-internet era. With the most recent relocation of ddd Gallery, Matsui delivered a message that stated, “I hope to see more exhibitions that make us think about what is to become of graphic design. Graphic design should make us think about the future, and rouse the senses of every person.”

グラフィックデザインの展覧会は、基本的に成果展であり、それら以外に展示できるものといえばスケッチや指示書が限界です。これだと展覧会として発展性がないので、鳥海展では書体となって流通するまでのプロセスをいかに作品化し、構成できるのか、ということを考えました。私は現代美術のキュレーターですが、鳥海展ではむしろ、デザイナーのように取り組んだ展示だと思います。「わかりやすく、取りつきやすい空間」というテーマに設定し、「一般性」をすごく意識しました。 また、京都dddギャラリーは主にデザイン業界に向けた施設だと思いますが、「非西洋諸国の近代性」という点に着目して眺めています。たとえば日本語活字は、表音文字と表意文字が混ざった言語を無理やり正方形の中に収めて書体化し、なんとか西洋のアルファベットのように成立させた均一な連続体ですが、そもそもなぜ均質にする必要があるのか。鳥海さんは無意識的に「水のような米のような文字（＝すんなり入ってくる文字）」ということを仰っていますが、逆に言うと、実はわれわれは知らず知らずのうちに、鳥海さんのような書体設計士が想像する身体に標準化されている=制度化されているのではないか。グリッドシステムが奨励されたときもありますが、そもそもそんなに整然とさせる必要があるのか。見やすいデザイン、あるいは読みやすい本文組みとは、そもそも誰の身体に向けたことなのか。グラフィックデザイン領域において、そういった西洋近代への批判性はほとんど議論されることはないように思います。これらを扱う展覧会に期待しています。

Graphic design exhibitions usually showcase accomplishments; beyond that all that can be displayed are sketches and notes surrounding visuals. There’s no room to expand exhibitions this way though; for Torinoumi’s exhibition I came up with the notion that we could turn the process of creating a typeface itself into the exhibited work. I’m a contemporary art curator, but for Torinoumi’s exhibition I worked on it more like a designer, I feel. I established a theme of making it easy-to-understand with an easy-to-follow space design, while being constantly aware of a universalness. In addition, though Kyoto ddd Gallery was established primarily for the design world, they’re focused on the “modernity of the non-Western sphere,” I believe. For example, Japanese type takes the Japanese language with its mix of phonograms and ideograms, and creates typefaces by forcing them into squares in uniform succession that is somehow similar to the Latin alphabet; but what is all the homogeneity for in the first place? Torinoumi himself speaks of characters being “like water, like rice,” (i.e. we absorb them without resistance), but on the contrary, isn’t it the forms created by typeface designers like Torinoumi that we are all made to believe is standardized, or we are all institutionalized by? Grid systems do help induce them, but is all the systemisation necessary in the first place? Pleasant visuals and easy to read body typesetting are for whom exactly? In the field of graphic design, there is practically no discussion, or criticism of the West. I hope for more exhibitions dealing with this.

Eight Designers in Today’s Hong Kong

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